在摄影创作中运用法国画家Henri Matisse使用颜色的思路

戴帽子的女人-Henri Matisse-1905年

Henri Matisse（1869-1954）是崇尚浓重色彩和粗壮线条的野兽派绘画风格创始人之一。他对色彩和形状的运用对传统的法国绘画是一次扭转。尽管与当时的其他绘画风格相比，野兽派的作品看上去似乎是缺乏技巧且粗暴的，但使用强烈且明快的颜色使得Matisse的作品能够直接抓住观众的目光，并按照自己的意图引导观众的注意。

我希望在摄影这种媒介中也运用这种使用颜色的思路。

Henri Matisse出生于1869年最后一天，但直到20世纪他的光芒才完全显露出来。使用明亮颜色并非Matisse所发明，但这却成为了他的标志，并影响了在他之后的一大批画家和艺术家。从这一点来说，他的确开启了一条挑战传统技法的新兴之路。像Matisse这样的天才使得世界改变了对绘画大师的认识。

让我们回到摄影上来。能否把野兽派大师的这种思路应用在摄影术上呢？首先我们来看看色彩的基础理论，快速回顾一下色彩在各种视觉艺术中的实践情况。我们从小就已经对三原色很熟悉了。红色、黄色和蓝色。如果把其中两种等量混合，就产生了间色。间色是紫色、橙色和绿色。把原色和间色混合起来，就产生了三次色。

原色、间色及三次色形成色环图

补色的概念是，在色环图上任意一个颜色，与其相对位置的颜色互成补色。例如，红和绿是补色，橙和蓝是补色，黄和紫是补色，等等。在构图中同时使用补色，可以产生不错的效果。当然，由于个人口味的不同，我相信并非所有人都喜欢补色搭配，不过这是一个点。使用补色搭配时，补色之间的反差会对眼睛产生吸引力。

在开篇那副绘画作品中，Matisse使用了大块的绿色和蓝色，来衬托出红色和橙色，将我们的眼睛直接吸引到这些区域——脖子、面颊、帽子及头发，有助于体现出深度、广度和形状。使用这些间色过渡来定义线条和形状，使观众的眼睛穿越画面聚焦于画中的人物，与彩色的、失焦的背景形成对比。虽然第一眼看到这幅作品可能会感到有些杂乱，但它在控制这些间色的关系上体现出了水平。我首先看到人物的眼睛，然后由这些间色区域的对比来引导自己的视线在画面上游走。

更进一步，每一种颜色都有不同的亮度变化。熟悉中间调或18%灰的人对这一点应该不会陌生。谈到可见光，白色是所有颜色的混合，而黑色是所有颜色的缺失。与此相反，在颜料中，黑色是所有颜色的混合，而白色是所有颜色的缺失。也就是说，把纯白加入任意一种颜色中，就会产生出不同的色彩值。下面是加入了这种变化之后的色轮。

很多照片都会在构图和主体选择上运用补色概念。比如，明亮的橙色和红色的日落，渐渐融入深青色的天空中，就是非常出色的搭配。类似时尚摄影中的品色对碰概念，通常也是使用补色搭配来突出主体。利用补色间的对比让主体渐渐融入背景元素，有助于刻画主体并使观众注意到你想让他们注意的地方。