画面构成与镜头语言-人像摄影理论知识

作者 唐东平 来源 人像摄影网 发布时间 2013-11-13

摄影属于一种平面化的表达,它将现实世界的三维空间转化为平面媒介中的二维世界,并依赖对瞬间的截取来获得动作姿态被凝聚或“冻结”起来的独特效果,因此摄影师在取景时必须考虑到最终的视觉传达效果。人像摄影(无论是动态的还是静态的)自然离不开画面构成所要考虑到的各项技术与技巧,如主体选择(包括它在画面中的大小比例、位置、角度、线条和明暗等方方面面的选择)、陪体选择、背景取舍以及这三者的有机结合,等等。 文:唐东平(北京电影学院)

一 画面构成常识

1、景别

景别,摄影构图术语,是指某一被摄主体在画面之中被框取的范围大小。景别按照被摄主体被框取的范围不同,可以分成大景别、中等景别和小景别三种。习惯上将大景别称为远景、大全景或全景;将中等景别称为小全景、中景或中近景;将小景别称为近景、特写或大特写。人像摄影则往往根据被摄对象身体的面积在画面中所占的比例来规定其景别,分成全身像、大半身像、半身像、胸像、带肩头像和大头像。不同的姿势造型需要考虑采取相应的景别,一般说来,动作完整程度要求较高的姿势造型,尤其是与陪体或环境有所呼应的动作造型,宜采用较大的景别;反之,则相反。

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姿势所对应的景别大小受制于人物与道具及其环境的呼应关系

2、视觉习惯

画面构成与大众的视觉习惯有着极大的关系,一般情况下大家都习惯于较为平衡稳定与简洁的画面,而不太容易接受动荡不安而又复杂的画面,而且对于画面中的主体与四条边框线之间的关系也较为在意。在画面中,上对应“天”,下对应“地”,照片中的人物忌讳“顶天立地”;画面左右则根据我们平时所养成的阅读习惯,自左向右观看必须顺畅,而画面边框线不可随意生硬地切割被摄人物的身体,主体与边框线之间要留一些空白空间,人物视线前方(或顺着动作方向的前方)要留空,这样才能给人以舒适的感觉,否则,会令人感觉到窒息与压抑。

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小景别有利于突出人物

3、规则构图与不规则构图

规则构图也被称为“完整性构图”或“封闭式构图”,是古典主义绘画所遵循的构图原则,画面是一个完整而有机的自足体,主体、陪体和背景一应俱全,且有着严谨而合理的布局,通常遵守“多样统一”与“对比呼应”的构成原则,使画面获得感觉丰富而又井然有序的效果。值得提醒注意的是,无论是拍摄单人还是拍摄双人与多人,追求有机的变化,有序的多样统一,始终是造型的总体原则要求,如果你非要找出其中的一一对应关系,如单人的姿势造型在构图上该如何处理,双人又该作何安排等,那就显得太机械与教条了,因为艺术毕竟是无法标准化的,能作标准化处理的绝对不是真正意义上的艺术,艺术感觉里最可贵的智慧则在于变化与创新。

不规则构图也叫“不完整性构图”或“开放式构图”,是随着摄影术的产生而出现的一种构图样式。摄影取景所依赖的工具是“取景器”(“取景框”或“取景窗”),它所选取的常常只能是某个场景或物体的某些局部,人们逐渐地接受了摄影所带来的全新的视觉感受和视觉秩序,它常以局部暗示画外空间的整体性,属于“不完整的完整”,它必须结合画外的空间方可形成完整的意义表达。

以上两种构图方式也常常出现于人像摄影之中,它们对于姿势造型的要求和分寸上的把握各有不同。一般来说,前者适合较为稳重、含蓄和古典美的姿势造型,而后者则被广泛地应用于富有朝气与活力的动态较强、动作幅度较大的姿势造型之中。

二、“看”的艺术──镜头语言的特点

学摄影最关键的是要学会“看”。对于摄影师来说,“看”并不是一件轻松的事,因为镜头毕竟不同于人眼,照片也绝非真实的再现,而瞬间的凝聚又将人眼常不注意的局部加以放大了。我们首先得分清摄影与人眼的两种不同的“看”。

摄影的造型感觉从总体上来说主要由镜头感与瞬间感两个方面组成。镜头所见并不等同于人眼所见,所以照片给人带来的视觉感受与以人眼感受为基础的传统绘画很不相同,摄影有其视觉语言传达方面的特殊性,而与此同时,这些独特性也就成了它自身的局限性,具体说来有三个方面:一是视觉的,与听觉的或触觉的感受不同;二是平面的,与立体、有深度感的真实感觉不同;三是静止的,或者说是瞬间凝固的形态,与处在运动中的真实状态不同。特定的角度形成特定的造型,除了瞬间控制以外,摄影的造型直接受制于拍摄角度,因此,摄影的智慧也可以被认为是角度的智慧。人像摄影中的造型与画面构成主要依赖于四个可以调节的维度:拍摄距离、拍摄高度、拍摄方向和镜头焦距。

1、镜头性

从镜头中看到的影像在视觉感受方面与人眼直接看到的实物之间有较大的差异。人眼看东西具有较强的选择性,我们只是将注意力高度集中于我们想看到的东西,而对于周围景象与背景的情况极少顾及。镜头就不具备这样的能动性,只要是其视角范围内的东西,不分主次,都被“看见”。另外,人眼看东西,由于是双眼同时看,所见景象是立体的,而单眼的镜头就不具备这种功能,因此景物相重叠的部分就显得非常突出,这也就是拍照片为什么要特别注意不良重叠问题的根本原因。另外,不同焦距的镜头,其视角与透视关系也不相同,短焦距的镜头会夸张透视,并使近处景物产生扩张变形,而长焦距镜头则会压缩透视,它同样会使景物的立体关系发生变化。如用广角镜头拍摄特写人像,则应考虑到其扩张变形被观众接受的程度,而采取过长焦距的镜头拍摄头像,则同样要考虑头像被压缩变形的程度。一般说来,拍摄人像照片,宜采用标准镜头与中焦镜头,标头适用于拍摄全身像与大半身像,而中焦镜头则适用于拍摄半身像与带肩的头像。若采用广角镜头拍人像,最好将人物安排在居中位置,因为画面中央的变形最小,而边缘变形最大。采用较长焦距的镜头拍头像,为避免脸部的压缩,可采取正面与正侧面拍摄的角度,将变形控制在最小限度。

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人像摄影可以将现实转化为梦幻

2、 间离性

记实是摄影的最大特长。其实,这其中的另外一面却往往被忽略了,那就是摄影的间离效果。客观现实世界在人眼视觉上呈现为一个三维的世界,而到了照片上则成了二维的平面世界。纪实摄影大师马克·吕布称:“在镜头的那一端是客观现实世界,而在镜头的这一端它变成了梦幻世界”。从某种程度上说,摄影艺术就是一种将现实变成梦幻的艺术。现实的三维立体空间被压缩成了二维的平面世界。而对于黑白摄影来说,缤纷的色彩都一概被黑白灰所取代。照片中的真实本身就有某种与客观现实相间离的倾向,而假定性的事实则常被摄影所采用,尤其在商业性人像摄影中,服装、道具、化妆、灯光……几乎每一个环节都带有明显的假定性,就连人的表情神态也是假定的。尽管可以捕捉到被摄人物真实的瞬间情状,但照片中的世界与现实世界毕竟隔了一层,我们不能够复制现实,而照片所表达的现实内容是很受局限的。也就是说,以写实的方法来作艺术表现,对于摄影来说是困难的,它只不过是一个表面上的“擅长”之处,事实上,它反倒是艺术表现的桎梏。相反,假定性原则更符合摄影艺术表现的规律,主动地创造一个形象总比被动地去记录一个形象更见功夫。

3、 瞬间性

从流动的时空中截下一个块面,将正在消逝的光阴留住,这是摄影的最大贡献。没有摄影,人就无法看到这一个个精彩无比的瞬间,更无法看到瞬间中的每处细节。因此,摄影的“看”,除了包含瞬间观照万物,还得看清楚瞬间情状中的每一处细节,而这个功夫正是每个摄影师所必备的看家本领。目光敏锐,反应灵敏,也正是为了适应摄影这种“看”的需要。

说到底,作为一名摄影师要学会如何“看”,我们不能以人眼的视觉习惯看待摄影与摄影创作,而应当改用摄影的方法来观察与思考,以适合于摄影视觉表现的方法来表现。不断地刻苦训练,努力培养这种摄影独特的视觉想象力与直觉的判断能力,这才是我们所要为之奋斗的目标。

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摄影的瞬间之中蕴涵了众多的细节

三、“上相”或“上镜”──相机与被摄影对象的互动规律

佛经上说,“像从心生”,“身心不二”。意思是说,有什么样的相貌,就代表着具有怎样的心灵,因为相貌是随着内心产生的,相貌其实就是内心世界的真实反映。人像摄影的一个根本任务就是通过人物相貌的刻画来充分有效地传达人物的内心世界,当然,这里面的学问十分复杂,因为有的人愿意看到真实,有的人不情愿看到真实,有的人刻意回避真实,有的人则想方设法将真实伪装起来。关于真假的互现,谁都有份,谁都无法真正超脱,只不过人类社会总是按照世间生存的法则有节制、有选择性地加以合理地发挥和利用罢了。男人希望将男人拍得英俊一些,将女人拍得妩媚一些;女人则希望将女人拍得苗条一些,白净一些,将男人拍摄得健壮一些───但不管怎样,谁都喜欢将自己拍摄得精神一些,健康一些。

几乎所有的正规肖像都包含有某种赞赏、溢美的成分。无论是画像还是照片,人们总都希望能比本人更美一些,谁也不愿看到自己的形象受到贬损与歪曲。因此,修饰润色甚至不惜代价地进行装扮,其最终的目的还是求得别人的认可,获得自信心与虚荣心的双重满足。有些人长得就适合于拍照,俗称“上相”或“上镜”,相反,有些人平常看起来长得蛮不错的,可是到了照片上就满不是那么回事,这就是“不上相”或“不上镜”。然而,不管是怎样的人,在镜头前总有一两个角度是比较可取的。我们可以运用变换角度的方法去修正美化,这也是人像摄影中最常用的一种“矫形”方法,若再结合用光的“矫形”措施,效果就更理想了。例如,长有尖而窄额头的人,可以用高机位俯角度拍摄,主、辅灯的光位可以升高一些。因为高机位俯拍使头部的透视关系发生改变,令较靠近镜头的额头部分得到夸张,从而接近于正常水平。另外高位灯光的照射可以使额头部分显得更亮一些,而亮部在心理感受上面积变大了。如果采用大画幅后背直接取景式相机拍摄,还能通过镜头与后背的升降、俯仰的调整来改变透视关系,以获得修正脸型与身材的效果。

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高角度微俯似乎象征了男性的观察角度

1、求“上相”的一般原则

拍摄男性,机位一般宜低些;而拍摄女性则正好相反。因为普遍地男性身材要高于女性。另一方面从社会心理学角度看,低角度微仰代表了女性看男性的角度,最欣赏男人的无疑是女性;而高角度微俯似乎象征了男性的角度,从这个角度看女性,更显女性的温柔与妩媚。高角度拍女性,还有利改善女性脸围线的形状,可以使脸围轮廓线更趋柔和,令轮廓明显的脸型看起来象“瓜子脸”型。

拍摄孩子,可以采用多种角度,而每一种角度又具有不同的审美依据。如采用高角度拍摄,则代表了成人的视点;而采用低角度拍摄,则说明采取了儿童的视点,高角度对于背景的取舍来说更方便些。

2、变通的做法

以上所介绍的仅仅是一般化的角度运用原则。事实上,我们在具体拍摄的时候,情况是千变万化的,应该根据立意表现的需要来作最恰如其分的处理。假如你正好想要表现一个女人的高傲或自信的姿态,你就千万不能采用大俯的角度来拍摄,相反低角度更能出效果,它更符合画面表达的需要。同样,假如你想表现一个不自信的或者是颓丧的男人时,你就不能用低角度,相应地采取高角度拍摄会更好些。当然,高角度表现男性也可适用于另外一种含义的表达,那就是沉思的感觉,高角度在这里便成了一种富于思想深度的象征。

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在这里,稍俯一点的视角更有助于表现男主角的内心痛苦

3、对“上相”的质疑

寻求“上相”角度的目的是为了美化被摄者,这对于商业人像的拍摄来说是无可厚非的,但是这对于艺术创作来说,就未免显得太荒唐了。要知道,那些不够“上相”的地方,往往是人物的特征所在,这些外形上的特征是通向内心世界的桥梁。从某种程度上说,这些外形特征便是人物性格特征的外部标记,是一种心理的物化,它是人像摄影中性格与心理刻画的一个重要组成部分,是绝不允许加以掩饰与忽略的。过去由于艺术人像与商业人像界限模糊,人们曾一度犯这样的错误,“矫形”方法的滥用使得人们在掩盖某些缺陷的同时也掩盖住了性格特征。这的确是个不合算的做法。

4、另一种“角度”

正是由于我们可以采取各种不同的角度来拍摄人物,这才使得单纯样式的人像艺术不显得单调与贫乏,有多少个角度就有多少种与之相对应的含义存在,而一个全新的角度便是创作者对某种主题的新发现,角度即思想、即智慧。角度主义者认为,可供选择的概念解释有很多种,正是由于这个原因,被感知的对象才具有一种隐藏的,不可穷尽的丰富性。人像摄影所应选取的角度,大多是美的角度,这里除了选取能削弱或掩盖缺陷的角度外,更重要的是选取最富特征性的角度。因此,当这两者发生矛盾时,应着重地照顾哪一方呢?这对于商业或宣传类照片的拍摄来说,态度是非常明确的:美化可以不择手段。而对于艺术类人像来说,则务必要将后者作为基准。

然而,以上所谈及的角度,均是从所谓的画面形象的观赏效果方面来作考虑的,最常规的有:正面像、侧面像、三分面像与七分面像。其中所探讨的充其量也只不过是“再转过一点”、“回来一点”、“再侧一些”、“俯一些”和“仰一些”。在诸如此类的拍摄方案中作挑选,在审美的深度方面并没有多大的进展。但是当我们将心理学有关方面的知识引进来后,却发现了另一类“角度”的存在,那就是视觉感受在涵义揭示方面所直接切入的角度,这种角度已超越了造型的表面需求,它甚至能抛开造型中介而直接参与画面深层含义的解读。相比之下,讲究造型的各种角度反倒远不如最平实的正面角度来得更直截了当,因为从心理距离来看,观众或欣赏者更接受坦诚相待的正面角度,尽管它在造型上显得呆板,缺少变化,但它确确实实是最真切最不造作的角度,尤其当被摄者看着镜头的时候,它能令照片在被观赏过程中产生目光相遇的动人效果,从而大大缩短了观赏者与照片中人物之间的心理距离。

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看镜头会产生目光相遇的效果 (宋朝 摄影)

由于“目光相遇”的效果非常强烈,因此,我们在拍摄时应特别注意被摄人物的眼神与表情的变化。而当照片中的人物收回目光合下眼皮之后,他所带给我们的也许是另一类的“角度”,这个角度能让我们进入他的内心世界。当然,并非只有正面拍摄才会有这种“角度”出现。